De 10 bästa rockbanden någonsin

När man tacklar ett projekt som djärvt, halt och fyllt med diagnostisk fara som “de 10 bästa rockbanden någonsin,”Man kan antingen kämpa i väntan på monsunen av meningsskiljaktighet, så att du kan komma och ladda paketet med alla sätt att jämlikas, eller man kan sätta sig framåt i godhetens övertygelse. Att vara amerikansk, jag väljer den senare.

1. The Beatles

Beatlesna är utan tvekan det bästa och viktigaste bandet i rockhistoria, liksom den mest övertygande historien. Nästan mirakulöst innefattade de formens topp, artistiskt, kommersiellt, kulturellt och andligt, precis vid rätt tidpunkt, de tumultuösa 60-talet, när musiken hade kraften att bokstavligen ändra världen (eller åtminstone att ge intrycket att det kunde, vilket kan vara samma sak). Beatles är arketypen: det finns ingen term i språket som är analogt med “Beatlemania”.

Tre pojkar från Liverpool – John Lennon, Paul McCartney och George Harrison – kom ihop vid en tid av stor kulturell vätska 1960 (med bitarspelare Stu Sutcliffe och Pete Best), absorberade och rekapitulerade amerikanska rock’n roll och brittisk pophistoria till den här punkten, härdad till en rakhyvlarenhet som spelade fem amfetaminbränslade satser en natt i den tuffa hamnstaden Hamburg, Tyskland, återvände till Liverpool, fann sin idealistiska chef i Brian Epstein och idealproducent i George Martin, lade till den sista delen av pussel när Ringo Starr ersatte Best på trummor och släppte sin första singel i Storbritannien, “Love Me Do / PS Jag älskar dig, “alla i oktober 1962.

Deras andra singel, “Please Please Me”, följt av brittiska kartläggare “From Me to You”, “Hon älskar dig”, “Jag vill hålla din hand”, “Jag kan inte köpa mig kärlek” (alla Lennon / McCartney-original) och gruppens glädjande bild, vitt och charm, stärkte Fab Fours otroliga grepp på sitt hemland 1963.

Men det var när gruppen anlände i USA i februari 1964 att den fulla utsträckningen av Beatlemania blev manifesterad. Deras pandemonium-inducerande fem-sångsföreställning på Ed Sullivan Show den 9 februari är en av 20-talets massmedia händelser av 20^th århundrade. Jag var fem vid tiden – mina föräldrar berättade att jag tittade på dem, men jag minns inte ärligt. Jag kommer dock ihåg att flickorna bredvid, fyra och sex år äldre än jag, vred över det utseendet och slog mig in i deras galena galenskap snart därefter. Jag älskade “Jag vill hålla handen”, Beatles första nr 1 i USA (de hade 19 mer, fortfarande skivan), mer än någon annan sång jag någonsin hört eller nästan säkert kommer att höra med en förbrukande intensitet som jag bara kan röra nu som ett minne.

Beatlesna genererade en intensitet av glädje som slog tiotals miljoner människor i ansiktet med medvetenheten om att lycka och överflöd inte bara var möjligt utan i deras närvaro, oundvikliga. De genererade en energi som förstärktes en miljon gånger över och återvände till dem i en bedövande tidvågsvåg av tacksam hysteri.

Ett partiellt resultat av den deafeninghysteri var att bandet blev frustrerat med sina konserter och slutade att leva efter en San Francisco-show den 29 augusti 1966. Men även denna frustration bära frukt, som de fyra musikerna, hjälpte nästan produceras Martin Martin, förvandlade sina kreativa energier till inspelningsstudioen och producerade allt mer sofistikerade och färdiga album “Rubber Soul” (1965, “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “Du kommer inte se mig”, “Ingenstans Man”, “Michelle “,” Revolver “(1966, Harrisons” Taxman “,” Eleanor Rigby “,” Här, där och överallt “,” Gula ubåten “,” God dagssolsken “,” och din fågel kan sjunga “), den majestätiska och epokala “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band “(1967, titelspår,” Med lite hjälp från mina vänner “,” Lucy i himlen med diamanter “,” När jag är Sixty Four, “” En dag i livet “).

Även om centrifugalkraften började ta sin vägtull lyckades de fortfarande producera tre mer album mästerverk, dubbelalbum “The Beatles” (1968, även “The White Album”, med “Back in Sovjetunionen”, “Kära försiktighet” Ob-La-Di Ob-La-Da, “Harrison’s” While My Guitar Gently Weeps “,” Blackbird “,” Födelsedag “,” Helter Skelter “),” Let It Be “(inspelad i början av 1969 men inte släppt till 1970 , med titelspåret “Två av oss”, “Överallt”, “Jag har fått en känsla”, “Den långa och svängande vägen” och “Komma tillbaka”) och det passande klimaxet “Abbey Road” ( 1969, Harrisons “Här kommer solen” och “Något”, Ringos “Octopus Garden”, “Kom tillsammans”, “Maxwells Silver Hammer”, “Jag vill ha dig”, “Hon kom in genom badrumsfönstret”).

De gjorde ett otroligt löfte och i stället för att backa ner från det löftet de levererade och levererade och levererade i åtta år tills de fulla konsekvenserna av löftet äntligen slog dem: de stirrade i käftarna av en omättlig, grym djur som inte var mindre beastly eftersom det log och vinkade och gav dem pengar. Beatlesna fick äntligen en kollektiv oförmåga att låtsas att djuret inte var ett odjur, och i 1970 bröt de upp och återvände till att vara mänskliga.

Beatlemania redux

En liten men betydande bit av Beatles magi kom tillbaka 1986 med utgåvan av den klassiska John Hughes tonårsflickan “Ferris Buellers Day Off”, där Matthew Brodericks titelfigur synkroniserar den tidiga Beatles klassiska “Twist and Shout” (ironiskt nog, en sång som de inte skrev) från toppen av en flottör i en downtown Chicago-parad.

John Lennon sjöng “Twist and Shout” som om orden var glädjande frätande gift, att hans enda hopp om överlevnad var att utvisa dem med all den kraft som hans rytmebeslutna kropp kunde samla, och det gör Ferris också i scenen. Pauls och Georges svar matchade Johns nidkärhet i slutet av varje stanza med sina ödmjuka “Ooohs”. De trivdes så mycket att den här låten verkade det viktigaste i sina liv just nu. Beatles kände det glada ansvarsfullt ansvaret.

Ferris läppar glatt, frauleinerna på float shimmy och skaka och studsa av Ferris som elektroner sjunger tusentalsna i publiken från deras bäckar. Chicago syltar som en, och återskapar Beatles fantastiska verkliga livsstil av en förenande massgalenhet som förändrat människors liv för en tid.

När jag såg filmen i teatern i ’86 stod folk faktiskt upp och dansade i gångarna. Hur kunde de inte? Segmentet “Twist and Shout” var det mest spännande och glädjande musikaliska ögonblicket i en film sedan Beatles äger “A Hard Day’s Night” (1964) och var det perfekta klimatet mot Ferris Buellers filmutövningar.

Allmänheten var så vittig för Beatlemania att “Twist and Shout” återvände till diagrammen i 15 veckor det året, en kort men söt påminnelse om den riktiga saken.

2. Rolling Stones

När Beatles upphörde att existera 1970, föll titeln “World’s Greatest Rock ‘n’ Roll Band” med mycket liten tvist mot Rolling Stones, som då var mitt i en så underbar kreativ topp som de kanske hade utmanat Fab Four för titeln ändå. Det är en titel som en gång “anti-Beatles” inte har avstått sedan. Inte bara har Stones varit världens största rockband i mer än 30 år, men de har funnits som en fungerande rock’n roll-enhet för över 40, den längsta historiens längd.

Boyhoods vänner Mick Jagger och Keith Richards, tillsammans med gitarristen Brian Jones och pianisten Ian Stewart, bildade den första versionen av Rollin ‘Stones 1962 och med rackrytmavsnittet Charlie Watts på trummor och Bill Wyman på bas snart ombord, rippade upp det i ett åtta månaders bostad vid Londons Crawdaddy Club kort därefter. En ung och ambitiös Andrew Loog Oldham såg dem där: 

“Jag såg dem 23 april 1963 och då visste jag vad jag hade tränat för,” sa han i en telefonsamtal från sitt hem i Colombia. “Det viktigaste som de hade var passion, vilket har tjänat dem till denna dag,” fortsatte Oldham. Oldhams första uppgift som chef var att avlägsna spelandet Stewart från bandets liveakt för att inte hålla med hans bild av en mager, medel och sexig Stones (Stewart var bandets vägchef och spelade in med dem till hans död 1985).

Vid den tiden var Rollin ‘Stones (uppkallad till Muddy Waters-låten, Oldham tillagt “g”) ett raggat R & B-band, men deras körning på Crawdaddy hade genererat stor uppmärksamhet och med Beatles på väg upp ingen ville sakna nästa stora sak. Oldham fick dem snabbt till Decca Records, som fortfarande var smart för att ha slagit ner Beatles.

I juni av ’63 började Stones första singel, ett lock av Chuck Berrys “Come On” till nr 21 i Storbritannien. Uppföljningen i november var en omslag av den fruktade Beatles “Jag vill bli din man”, som steg till Storbritannien nr 12. Vid februari i64 nådde de Storbritanniens topp 10 med Buddy Holly’s “Not Fade Away, “Som också knäckt Top 50 i USA – de dåliga killarna var på väg.

Oldham delade med bandet mitt i vansinnan och mediafransin av narkotikabrubbningar 1967 men han och bandet genererade en fantastisk musik under de två åren mellan det grymma lustiga “nöjet” – som anses vara den största rocksången någonsin – släpptes i maj 1965, och den träffade “Blommor” samlingen, släpptes i juli ’67. Inkluderat var den otroligt självmedvetna narcissismen av “Get Off Of My Cloud”, kammarmusik gentility och sårbarhet av “As Tears Go By”, bemused urban modernity of “19^th Nervöst sammanbrott”; och Stones första klassiska album, “Aftermath”, med den samtidiga mocking och empathetic drogen “Mother’s Little Helper”, djupt groovy och misogynistic “Under My Thumb” och “Out of Time”, härlig “Lady Jane” och exotisk , roiling “Paint It Black.”

Därefter kom Stones klassiska sen-60s / tidiga-70-talet mellan “Tiggers Banket” och “Exile On Main Street”, möjligen den mest produktiva körningen i rockhistoria, när stenarna blev en oöverträffad alkemi av rock’n roll , blues och land till något mörkt, farligt och beständigt djupt.

1967-bysten verkade stimulera Jagger och Richards till en annan kreativ nivå, men Brian Jones verkade slagen och sjunker snabbt. Han var frånvarande från den djävulska, riff-rockande “Jumping Jack Flash” singeln. Han arbetade knappt på 1968s exceptionella, bluesiga “Beggar’s Banket” (förförisk, percussive och stinging “Sympathy For the Devil,” gitarr-pounding “Street Fighting Man,” slashing and sinful “Stray Cat Blues”) var ute av gruppen av Juni69, och död i botten av hans pool mindre än en månad senare.

Young Mick Taylor gick med som Jones ersättare, och hans kraftiga bluesiga leder var den perfekta folien för Richards öppna rytmearbete, och ljudet och bilderna blev alltmer mörka och hårdare fortfarande på “Låt det blöda” (kön och dödsapokalypsen “Gimme Shelter, “Robert Johnsons angripna blues” Förälskelse förgäves “, mystisk” Monkey Man “, titelspårig kamratskap, kraftfull och mördande” Midnight Rambler “och den sneda upplyftande koden” Du kan inte alltid få vad du Vilja”).

Bandets dans med djävulen bar bitter frukt när de satt på en fri konsert på Altamont Speedway utanför San Francisco den 6 december 1969 (bara tre månader efter Woodstock) där en fläkt knuffades ihjäl med tanke på scenen av Helvetes änglar ( all montering dålig juju fångades för eftertiden i filmen “Gimme Shelter”).

“Få Yer Ya-Ya Out” (1970), ett av de mest tillfredsställande levande rockalbum någonsin, inriktat på deras “68 -’69 träffar, inklusive en utökad, slutgiltig “Midnight Rambler” och visade hur integrerad Mick Taylor hade blivit till Stones brusande levande ljud.

Bandets första utgåva på sina egna Rolling Stones Records var den druggiga, shambling, briljanta “Sticky Fingers” (1971), med det ökända arbetslåsskyddet av Andy Warhol. Taylor sparkade igen och Jagger / Richards sångskrivning fortsatte på högsta nivå: swaggering “Brown Sugar,” plaintive “Vilda Hästar,” Jazzy Grooving “kan du inte höra mig Knocking,” Horn-rocking “Bitch,” chilling “Sister Morphine “Och räknade” Döda Blommor “.

Stonesna har varit ett annorlunda band sedan: Mick Taylor lämnade 1974, ersatt av stalwart Ronnie Wood. De har släppt ett par stora album: “Some Girls” (1978), deras grova svar på utmaningarna med disco och punk (“Miss You”, “Some Girls”, “Respectable”, “Burst Beast”, “Shattered” ), och “Tattoo You” (1981, deras topp-kartläggning album någonsin – nio veckor vid nr 1) med standouts “Starta mig upp”, “Hang Fire” och “Vänta på en vän”. De har också släppt mycket av helt enkelt bra album: 70-talet var bättre än 80-talet, vilket var bättre än 90-talet.

Men de har soldat på och tar raster men fokuserar mer och mer på att få ut musiken till fansen och blir speciellt nyfödd med albumet Steel Wheels och världsturné 1989. Jag fick den turnén i Los Angeles och Stonesna kom på med en luft av ivrig försäkring. Alla element klickade: gitarrerna skar och slashed, rytmavsnittet låste in och rida ut det, sångerna var en perfekt blandning av gammal och ny, bandet var rikligt entusiastiskt.

Jagger uppvisade inte en droppe Cool Star-attityd: han arbetade, pratade, sjöng med energi och uppmärksamhet på detaljer. Han var uppenbarligen glad att gilla igen. Den kollektiva glädjefulla lättnaden på stadion uppstod Jagger till barnsårbarhet:

“Gör du som de nya låtarna?” Bad han nästan om trängseln.

“Vi älskar dem, Mick!”

“Vi älskar dig!”

”Yeahh!”

Kanske Mick påminns om sitt citat från 70-talet, “Ibland föredrar jag att vara på scenen, ibland föredrar jag orgasm.” Den natten är jag ganska säker på att scenen vann.

Under 1990-talet tog bandet in sig en svimlande 750 miljoner dollar från tre turer. När jag såg dem leva från Madison Square Garden på HBO i början av förra året, bekräftade mina ögon att de här galna karlarna är ungefär 60 år gamla, men när kamerorna drog tillbaka 30 år smälte bort och magiken var riktig och växte i intensitet som natt bar på.

Vilken bra show! Stonesna är ett bättre band bor nu än de var på 70-talet när deras liv, kroppar och sinne var en skvad av sex, droger och alkohol. Ålder har fokuserat på dem, men har tagit bort mycket lite av sin maniacal energi, och Keith Richards är fortfarande den största rytmgitarristen som någonsin levt.

Lång live rock ‘n roll – långa lever Rolling Stones!

3. U2

Irlands U2 är det viktigaste och inflytelserika bandet av postpunk-eran, förenade ringande gitarr, punkiskt självständighet, keltisk andlighet, innovativ produktionsteknik och elektronisk experimentalism – alla sammanhängda av sångare / lyricist Bonos transcendenta vision och karisma.

U2 – Bono (Paul Hewson), gitarristen Edge (Dave Evans), basisten Adam Clayton och trummisen Larry Mullen – bildades i Dublin 1976 som Beatles and Stones coverband medan spelarna fortfarande var i gymnasiet. År 1980 undertecknades de till Island Records och släppte sitt spektakulära första album, “Boy”, producerad av Steve Lillywhite.

Förberedelsen för 1984 års “The Unforgettable Fire” -producenten Brian Eno hade ett långt samtal med Bono, som han senare berättade för Q Magazine. “Jag sa,” Titta, om jag jobbar med dig, vill jag byta mycket saker du gör, för jag är inte intresserad av poster som ett dokument av ett rockband som spelar på scenen, jag är mer intresserad av att måla bilder. Jag vill skapa ett landskap där denna musik händer. “Och Bono sa,” Exakt det är det vi vill ha. “”

Resultaten av denna ödesdigra riktningsändring var Eno-produktioner av U2-standarder “The Unforgettable Fire” (inklusive “Bad”, “Pride In Love’s Name”); Grammys årets 1987 års album, den personliga, men ändå universella “Joshua Tree”, som gjorde bandet superstjärnor (med “där gatorna inte har något namn”, “jag har fortfarande inte hittat det jag letar efter” Eller utan dig “och” One Tree Hill “); 1991 “Achtung Baby”, ett briljant och känslomässigt mörkt drag mot elektronik (“Ännu bättre än det verkliga”, “En”, “Fram till världens ände”, “Vem ska rida dina vilda hästar” och “Mystiska sätt” ); och “Zooropa” djupare fortfarande i Euro-dansmusik och elektronik (’93, med titelspåret, “Numb”, “Citron”, “Stay”). Wow, vilken resa.

U2 var det ledande rockbandet på 80-talet, eftersom medlemmarna, som kanske bara Bruce Springsteen i USA, fortfarande trodde att rock’n roll kunde rädda världen, och de hade talang för att få den uppfattningen inte att tyckas hopplöst naiv.

Denna allvar och vilja att axla det tungaste ansvaret ledde till höga prestationshöjder och eskalerande psykiska och konstnärliga krav som så småningom ledde bandet att anta ironi som dess grundläggande uttrycksform för en tid på 90-talet.

Alla band vill vara coola, och i 80-talet U2 var det nästan ensamhetligt kallt, men det var svårt, obevekligt arbete. Efter 90-talets grusiga, chunkiga gitarrer och idealister såg 90-talet den djävulska chillen av elektronik och ironi, som var bokstavligen och metaforiskt cool men i slutändan inte vad bandet handlar om.

“Allt som du inte kan lämna bakom” (’00) återvände till vad bandet är om och är den soniska och andliga uppföljningen till “Joshua Tree”, bandets mest idealistiska, andliga och melodiskt konsekventa album.

Resterna av bandets förseningar till elektronik kryddat albumet (särskilt den impressionistiska “New York”), men Edge-gitarren återvände till mitten av scenen där hans unika, chimingstilhörning hör hemma, fast det aldrig stiger upp sångerna, var och en är välsignad med en minnesvärd melodi.

Efter den extatiska släppningen av öppningsspåret “Vacker dag”, säger den andra sången “Stuck In A Moment You Can not Out” av en skäligen blygsam men djupgående, allvarlig och idealistisk uppfattning:

“Jag försöker bara hitta en anständig melodi

En sång jag kan sjunga i mitt eget företag “

De har hittat det och sedan några. U2 är nu ett moget, säkert, fortfarande fantastiskt band som vet att det inte har alla svar, men är inte rädd att fortsätta ställa de rätta frågorna.

4. The Grateful Dead

Ut på vägen idag / såg jag en Deadhead klistermärke på en Cadillac / En liten röst inuti mitt huvud / Said ‘look inte tillbaka, du kan aldrig se tillbaka.’ – Don Henley, “Summer Summer”

När Henley skrev “The Summer of Boys” 1984 såg han klistermärkena på lyxigt Detroit-stål som motsägelse för värden: en symbolisk materia / antimatorkollision som utplånade betydelsen av båda. Men Henley insåg inte att hans symbol på ett dött förflutet i verkligheten var en mycket stark symbol för nuet och framtiden.

Vietnamkriget var den perfekta polarisatorn mellan ungdom och vuxen kultur: det hade inget klart syfte, det var långt borta, det kostade många liv, och det var ofrivilligt – det gamla gjorde besluten, de unga dog. Efter kriget blev barmhärtigt dödat i mitten av 70-talet kom landet att inse att det hade hatat den inre förvirringen mer än den hade hatat den yttre fienden – blodet är tjockare än ideologin.

De döda blev de symbol för denna blandning av ideologier fram till Jerry Garcias död 1995: en väloljad penningmaskin (50 miljoner dollar per år i konsertintäkter) som sålde fred, kärlek och förståelse för en legion internt uppdelade beundrare. De döda släpptes ut varje show eftersom en Dead show var en socialt acceptabel plats att tillfälligt ta en paus från råttan och försök på 60-talet hippievärden utan att behöva leva dem. Människor som inte gjorde droger någon annan gång hände sig och dansade som pixier till de döda och deras lätta, rytmiska, trevliga, ibland inspirerade, utökade musikresor.

På den musikaliska fronten är Rhinos “Very Best of the Grateful Dead” en utmärkt representation av bandets eklektiska blandning av land, folk, psykedelisk rock, R & B, jazz och afro-karibiska rytmer på klassiker som “Devils vän” Sugar Magnolia, “” Ripple “,” Truckin “,” Uncle John’s Band “,” Casey Jones “,” Franklin’s Tower “och deras ensamma slumpmässiga” Touch of Gray “.

“Grateful Dead” (1971) är min favorit levande uppsättning av bandet – det rullar tillsammans med “Bertha”, “Mama Tried”, “Playing in the Band”, “Johnny B. Goode,” “Fade Away” och ” Goin ‘Down the Road Feeling Bad “, som visar stor energi och mångsidighet.

Dödens framgång inspirerade hela syltbandets rörelse, som bedriver sin musikaliska och kulturella släkt till denna dag.

5. Velvet Underground

Brian Eno har berömt sagt att inte många människor köpte Velvet album när de ursprungligen släpptes, men alla som bildade ett band. Efter djupt rensande tvillingfiender av likgiltighet och öppen fientlighet under sin livstid har Velvet Underground gradvis blivit omfamnad som en av de bästa och viktigaste band i berghistoria.

Velvet Underground bildades 1964 när sångare / gitarrist / låtskrivare Lou Reed och Walesiska multi-instrumentalist John Cale träffade och bestämde sig för att bilda ett rockband (så småningom med Sterling Morrison på bas och gitarr och Maureen “Mo” Tucker på perkussion) deras gemensamma intresse för R & B, friformsjazzen av Albert Ayler och Ornette Coleman och avantgarde minimalismen av John Cage och La Monte Young.

Bandet sökte inte bara att underhålla, men att utmana, för att bevisa att rock’n roll kunde vara farlig igen. De graviterade mot Andy Warhol – som tog med sig österrikisk skådespelerska / modell / chanteuse Nico i veckan – och blev armaturer i Warhols multimedieorganisation, fabriken och i Bohems bohemiska konstscenen.

Live, Velvets var en bisarr amalgam av kraftfulla R & B, vackra popsånger, förlängda experimentella störningar och prestandakunsten till Warhols explosiva plast. Det ursprungliga bandet varade bara två album, “The Velvet Underground och Nico” och “White Light, White Heat” (båda 1967), den första som står bland de största av alla rockalbum.

“Väntar på mannen”, med ett breezy rock groove, följer en Reed karaktär i strävan efter droger. Reed är nästan galen med självförtroende, eftersom hans behov av droger drabbar sin sociala status under ghetto-boende, och att trotsigt självförtroende definierar Velvet status som det första postmoderna bandet och föregångaren till hela punk / ny våg rörelse.

“Heroin” tar det yttre äventyret att få droger in i det inre riket och fångar förförelsen av beroende med en makt, skönhet och nåd som gör det allt mer skrämmande. “Venus in Furs”, en otrolig undersökning av ett S & M-förhållande, förmedlar ennui av nästan svart håltäthet. “All Tomorrow’s Parties” är Nicos finaste ögonblick, ett högt hörande monument till ephemeral glamour, med puls av rädsla och Reeds destabiliserande gyckel.

Även på skivan är två mer söta, Reed penned / Nico sjungade juveler, “I’ll Be Your Mirror” och “Femme Fatale” och den vackraste låten av Reeds karriär, den förnordiska “Sunday Morning” som fångar hoppet och ångra på en daggudisöndag med vördnad och delikatesser.

Gruppens återstående tre album producerade flera fler ädelstenar i “White Light, White Heat”, “What Goes On”, “Börja se ljuset”, “Blåblå ögon”, “Sweet Jane” och “Rock and Roll” allt och mer finns i den rekommenderade boxen “Skala långsamt och se”.

6. Led Zeppelin

Under en 10-årig nio-albumkarriär från 1969-79 var Led Zeppelin den mest populära rockgruppen i världen, och sälja slutligen mer än 50 miljoner poster i USA ensam (över 200 miljoner världen över), utveckla blues- baserad power trio plus-lead sångare arketyp i många riktningar, inklusive mystisk engelsk folkrock, Mellanöstern-influerad exotica, quirky pop och alla sätt av tunghet. De kom också för att symbolisera Dionysian överskott av rock livsstil.

Deras ojämnhet på klassiska rockradioformat och de ovan nämnda överskridandena har lett många att avfärda bandet som överskattat och symptomatiskt av nedgången i rock’n roll på 70-talet. Supervärdesamlingen “Tidiga dagar och senare dagar: Best of Vols. 1 och 2 “(två skivor) bevisar att, om något, bandets musikalisk storhet är fortfarande undervärderad på grund av de tidigare nämnda vrede och det faktum att bandet inte hade någon större kulturell inverkan – de stod inte mycket för någonting.

De var båda felaktiga: “Led Zeppelin 1” (“Good Times Bad Times”, “Babe, Jag ska lämna dig”, “Dazed and Confused”, “Communication Breakdown”), “Led Zeppelin 2” Love “,” The Lemon Song “,” Hearbreaker “,” Living Loving Maid “,” Ramble On “) och” Led Zeppelin 4 “(aka” Zoso “med” Black Dog “” Rock and Roll ” Levee Breaks, “” Stairway to Heaven “) är bland rockens största album.

Plantens sång uppnådde nivåer av avskräckt ecstasy matchad kanske bara av Little Richard på texter som antingen antingen suger med sexualitet eller härrör från angelsaxisk myt och / eller ockulten. Bonham (vars olyckliga död 1980 bröt upp bandet) pounded hans trummor obevekligt som en smutsig elefant som dansar genom huset. Jones bas- och strategiska tangentbord limmade de olika elementen tillsammans. Och Page, som gjorde det mesta av skrivandet och produktionen, spelade några av de mest grundläggande och minnesvärda gitarren i rockhistoria – från den tyngsta knäcken till den mest känsliga akustiska fingerplockningen.

Som ett bevis på bandets långvariga popularitet har bandets levande två-dvd-serie “Led Zeppelin”, som släpptes i maj, sålt mer än 600 000 exemplar.

7. Ramones

Ramones – Dee Dee (bas, sång), Joey (sång), Johnny (gitarr), Tommy (trummor, senare ersatt av Marky) – var de Amerikansk punkband, en oändlig brunnsprutning av ljud, energi, attityd, humor och (ibland glömda) stora låtar, som hjälpte till att återuppfinna rock’n roll när den behövde det mest under mitten av 70-talet.

Arbetar för indie Sire Records i mitten av 70-talet, producerades / talangscout Craig Leon blev involverad i den nybörjande New York underjordiska musikscenen. En sommarnatt 1975 gick han till CBGB och såg två band, Talking Heads och Ramones.

“Jag gick till den showen och det fanns bokstavligen fyra personer i publiken förutom mig, men banden var fenomenala,” sade Leon. “Många människor trodde inte ens att Ramones kunde göra en rekord. Det fanns veckor av förproduktion på en mycket grundläggande nivå: som när låtarna började och när de slutade. Deras tidiga uppsättningar var en lång sång tills de sprang ur ånga eller kämpade. Du kan se den som en prestanda art-typ sak, där du hade en 17-minuters kortfattad kapsel av allt du någonsin visste om rock’n roll, eller du kan se den som 22 lilla låtar, sade han. De gick till låtarna.

Ramones första album (1976) är en bråkig minimalistisk ikon – den första riktiga amerikanska punkrekordet. Lag och skikt av ackumulerad blås och glans avlägsnades för att avslöja rock’n’roll vid det mest grundläggande och livsviktiga på låtar som “Blitzkreig Bop”, “Beat On the Brat” och “Let’s Dance.” Ramones ljud var flammande tidigt på 60-talet surfar musik som spelas genom överdriven förvrängning av Blue Cheer och Black Sabbath. Men enligt Leon såg Ramones sig som ett popband. “I vår naivete trodde vi att de skulle bli större än Beatlesna. De hade även kallat sig efter Paul McCartneys tidiga scennamn, “Paul Ramone”, “sade Leon.

Medan de flesta är överens om att Ramones förvånande första album – som skar genom tävlingen som en 747 i en flygplanskonkurrens – är deras viktigaste album, det är inte min favorit. Min favorit är ett av bandet mest excentriska “slutet av århundradet” – producerat av den gåtafulla popikonen (och nu mördare misstänkt) Phil Spector – och albumet som uttryckligen erkände en sådan sak som “pop punk” för första gången.

Inspelat 1979, gjorde albumet tydligt sambandet mellan pop-rock och punkbandets psyke i början av 60-talet och rymmer sig som både en Ramones och en Spector-klassiker. Spectors idiosynkrasier överväger aldrig bruset av “Chinese Rock” eller “Rock ‘N’ Roll High School, “och Spectorish” kommer du ihåg Rock ‘N’ Roll Radio “rollicks med precis rätt retro-beröring. Bandets remake av Ronette’s “Baby I Love You” är lika rörande som det är roligt och kasta ett helt nytt ljus på sångaren Joey Ramone (som dog 2002 efter en lång kamp med cancer – jag saknar verkligen den där killen).

Två-CD-uppsättningen “Hej! Ho! Let’s Go “är en spektakulär översikt av bandet med alla ovanstående låtar (förutom” Baby jag älskar dig “) plus” California Sun “,” Sheena är en punkrockare “,” Cretin Hop “,” Rockaway Beach ” “Teenage Lobotomy”, “Jag vill bli sedated”, “Hon är den,” “Hon är en känsla,” “Vi vill ha Airwaves” och många, många fler.

8. Pink Floyd

Pink Floyd är det mest excentriska och experimentella multi platinumbandet i albumrocktiden, som skapar exceptionella filmskådespelar “Meddle”, “Dark Side of the Moon”, “Wish You Were Here” och bandets populära topp och konceptuella död knell, “The Wall.”

Början på mitten av 60-talet som ett R & B-baserat hårdrockband, bandet (namngivet efter Piedmont blues män Pink Anderson och Floyd Council) – Syd Barrett på gitarr och sång, Roger Waters på bas och sång, Richard Wright på tangentbord, och Nick Mason på trummor – muterade snabbt till en underlig kombination av två brittiska psychedelia (“Se Emily Play”, “Arnold Layne”) och långformad instrumentell rymdrock (“Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive”), inspirerad av Barrett liberal LSD användning: en Cambridge engelsk trädgård transporteras till Mars.

Gitarristen David Gilmour gick med i gruppen som försäkring mot Barretts volatilitet i ’68, men när Barrett tvingades ut för otillförlitlighet blev hans “backup band” en demokratisk foursome delande skrivande, sång och ledarskapsuppgifter. Som Floyd ledde djupare in i experimentella symfoniska utforskningar i rymdens soniska chill – omkring så långt bort från rock’n rolls ursprung i förstärkta amerikanska tonårshormoner som möjligt – desto mer populär blev de.

“Meddle”, som släpptes 1971, var bandets övergångsalbum från Barrett-influerade 60-talet till Waters-Gilmour Floyd på 1970-talet, framhävt av en pelare av rymdrock storhet “Echoes”, över 23 minuter med självsäker kreativ slingrande, ingratiating harmoni sång från Waters och Gilmour, burbling orgel från Wright, atmosfäriska axemanship från den ojämförliga Gilmour, andra världsliga pings och drivande whale lyder. Du kan höra de fräscha frön av “Mörka sidan av månen” här.

“Dark Side”, som släpptes i 73, stannade på albumet för en skandalig 741 veckor, ett mästerverk av kreativa studiobåtar och en anmärkningsvärt förenad prospektering av tid, girighet och existens – albumet är en oumbärlig ritt av passage fortfarande. “Wish You Were Here” är en enastående, rominativ, omgivande, långformad titt på Barretts upplösning blandas med Roger Waters sura uppfattning om världen, och särskilt musikindustrin.

Den svaga livsöversikten fann sitt yttersta uttryck i “The Wall”, som använde sin titel för att representera bokstavlig och metaforisk isolering. I utarbetade teatraliska presentationer av arbetet var en vägg fysiskt konstruerad under hela uppträdandet, vars sammanbrott i slutet av varje show förtrollade gruppens öde noggrant. Vatten gick solo i början av 80-talet och gruppen har återförenats periodiskt utan honom, men varken gruppen eller han har någonsin varit densamma sedan.

9. Bob Marley och Wailers

Den största sångaren, låtskrivaren och kulturfiguren i jamaicanska historien tog Bob Marley det rättfärdiga budskapet och “positiva vibrationer” av reggae-musik till världen, och är den enda högkvalitativa figuren i bergålden, inte från Amerika eller U.K..

Marley föddes i lantliga St. Ann s Parish 1945 till en medelålders vitfader och en tonårig svart mor och lämnade hem för den tuffa Trench Town slummen i Kingston klockan 14 för att driva ett liv i musik. Där blev han vänner och bildade en vokaltrio med Peter Tosh och Bunny Wailer. De kallade sig de gråtande Wailersna, som senare förkortades till Wailersna. De arbetade inom de rådande musikaliska stilerna av tiden, först den flytande up-tempo ska, då den långsammare sinuous rock steady, som sedan gav väg till reggae.

Wailers spelade in med de legendariska producenterna Coxone Dodd och Lee “Scratch” Perry på 60-talet och spelade stora låtar som “Simmer Down”, den ursprungliga versionen av “One Love”, “Soul Rebel”, “Small Ax” och “Duppy Conqueror , “Blir mycket populär i Jamaica. Men det var när Wailers skrev med Chris Blackwells Island Records 1972 att deras räckvidd blev global.

Wailers första album för Island, “Catch a Fire” och “Burnin” (båda “73), blev direktklassiker och introducerades” Stir it Up “,” Jag sköt sheriffen “och Toshs” Get Up Stand Up ” för världen. Tosh och Wailer sedan lämnade båda för att förfölja solokarriärer och Wailers blev Marleys uttrycksfordon. Fram till dess tragiska dödsfall från cancer vid 36 års ålder 1981 skapade Marley anthem efter anthem och förde med hopp och stolthet till tredje världen, förutom att röra hjärtan och flytta fötterna över Nordamerika och Europa.

Hans hitsamling som täcker öarnas år, “Legend”, med försäljning av över 10 miljoner exemplar i USA ensam är det mest populära och varaktiga reggae-albumet hela tiden. Bland sina glädjeämnen är “No Woman No Cry”, “Three Little Birds”, “One Love”, “Buffalo Soldier”, “Väntar förgäves” och “Jamming”.

10. Sly och Familjstenen

Sly och Family Stone gjorde några av de mest flytande och tankeväckande musikerna från slutet av 60-talet och början av 70-talet, som förenade och förvandlade svartvitt musik på en tid av högsta hopp och djupaste förræderi i Amerika. Leader Sly Stone personifierade båda ytterligheter, som den troendes troende och ett offer för sin egen desillusion.

Det var på bandets andra LP, “Dance To The Music” (’68) att de verkligen slog i brand. Titelsången var en perfekt representation av det levande familjen ljudet, en levande amalgam av positivitet, fuzz bas, doo-wop, rockgitarr och horn, samlade i samband med en traditionell R & B revue.

Sommaren 1969 fann Sly och Familjstenen stigande till popularitetshöjderna och kritiska tillskott på sina fenomenala album Stand !, som inkluderade bandets första nummer 1, “Everyday People”, en sång som definierade bandets sociala idealer på det sättet att “dans” definierade sina musikaliska tankar. Charmen i barnkammarrymmet avstår genom århundraden av kulturell bias och påminner oss om den enkla sanning som “vi måste leva tillsammans” eller dö separat. Också på albumet var den orgasmiska “Jag vill ta dig högre.”

Samma sommar stormade Sly och Family Stone scenen vid Woodstock i regnbågeuppfödningar, blinkade av paljetter och el och kom undan superstjärnor. Om deltagarna inte var tillräckligt höga, när Sly ropade “Jag vill ta dig högre” i slutet av bandets uppsättning, känner många att festivalen – och en tid – nått sin fräcka topp.

Tyvärr tog Sly bokstavligen sin obsession med “höghet” och kom för att förvirra det lätta högt med droger med de svårare högerna av musik, kärlek och existensglädje. Med drogerna ökade paranoia och självabsorption som uttrycktes först och bäst på 1971s “Det finns en Riot Goin On”, där lassitude ersatte spunk men Slys otroliga talang fortfarande skenas genom murken. Drummer Errico lämnade under produktionen och Sly skadade familjen ytterligare genom att spela de flesta instrumenten på själva albumet, isolerad i en kokainkokong. Ironiskt nog var “Riot” “Bandets” enda nummer 1-album. Drömmen och verkligheten föll sedan båda, men musiken förblir.

På vilket sätt? Varför?

Medan jag pratar med sanningen i åska, den här listan över “de 10 bästa rockbanden någonsin“Är inte en rent godtycklig beteckning från mina norra regioner. Först måste vinnarna vara ett verkligt band, vilket eliminerade de flesta av de första vågrockarnas greats av 50-talet som Elvis och Chuck Berry, som i grunden var soloartister med backupband, andra tuffa figurer som Bob Dylan, och vokalgrupper. Banden var tvungna att vara inom den större cirkeln av rockmusik och generera mest eller hela sitt eget material. Jag tog hänsyn till musikaliskt och kulturellt inflytande, popularitet över tiden (uppehållskraft) och “Det är ett underbart liv” -faktor: Vilka skador skulle göras om bandet skulle tas bort från rockhistoria? – Ju större skada desto större bandet är. Avlägsnande av något av ovanstående 10 skulle göra berghistoriken oigenkännlig.

Eric Olsen är redaktör för Blogcritics.org och en vanlig bidragare till MSNBC.com.