Cele mai bune 10 trupe rock

Când abordați un proiect ca fiind atrăgător, alunecos și plin de pericol de diagnostic ca fiind “cele mai bune 10 benzi de rock vreodată,”Se poate, fie în așteptarea musonului de neînțelegere, fie sigur să vină și să încarce pachetul cu orice fel de echivoc de nevastă, fie se poate bâjbâi înainte fericit în siguranță în neprihănirea universală a judecății omului. Fiind american, îl aleg pe acesta din urmă.

1. Beatles

Beatles sunt, fără îndoială, cea mai bună și mai importantă trupă din istoria rock-ului, precum și povestea cea mai convingătoare. Aproape în mod miraculos, ei au întruchipat vârful formei artistice, comerciale, culturale și spirituale, la momentul potrivit, în anii ’60, când muzica a avut puterea de a schimba literalmente lumea (sau cel puțin pentru a da impresia că ar putea, care poate fi același lucru). Beatlele sunt arhetipul: nu există termen în limba similară cu “Beatlemania”.

Trei băieți de la Liverpool – John Lennon, Paul McCartney și George Harrison – s-au adunat într-un moment de mare fluiditate culturală în 1960 (cu jucătorii bituși Stu Sutcliffe și Pete Best), au absorbit și au recapitalizat rock’n’roll-ul american și istoria popului britanic in acelasi timp, intr-o unitate ascutita, jucand cinci seturi pe baza de amfetamina, intr-o noapte in orasul portuar din Hamburg, Germania, sa intors la Liverpool, si-a gasit managerul ideal in Brian Epstein si producatorul ideal in George Martin. puzzle-ul cand Ringo Starr a inlocuit Best on drums si si-a lansat primul single in Marea Britanie, “Love Me Do / PS” Te iubesc “, toate până în octombrie 1962.

Cel de-al doilea single, “Please Te Me Me”, urmat de top-ul britanic “De la mine la tine”, “Te iubeste”, “Doresc sa iti tin mana”, ” Originalele lui McCartney), iar imaginea plăcută a grupului, spiritul și farmecul, au consolidat aderența delirioasă a lui Fab Four asupra patriei lor în 1963.

Dar atunci când grupul a sosit în S.U.A. în februarie 1964, s-a manifestat întreaga dimensiune a lui Beatlemania. Pandemonium-ul lor de cinci melodii de performanță pe Ed Sullivan Show pe 9 februarie este una dintre piatra de temelie mass-media evenimente din 20lea secol. Am fost cinci la acea vreme – părinții mei spun că am privit cu ei, dar sincer nu-mi amintesc. Îmi amintesc, totuși, că fetele alături, cu patru și șase ani mai mari decât mine, mi-au răsturnat aspectul și m-au târât în ​​nebunia lor nebună după aceea. Mi-a plăcut “Vreau să vă țin mâna”, primul număr al lui Beatles în Statele Unite (au mai avut încă 19 înregistrări), mai mult decât orice alt cântec pe care l-am auzit vreodată sau aproape sigur îl voi auzi cu o intensitate consumatoare pe care o pot atinge acum doar ca memorie.

Beatles a generat o intensitate de bucurie care a lovit zeci de milioane de oameni în fața conștientizării că fericirea și exuberanța nu au fost posibile numai, ci în prezența lor, inevitabile. Ei au generat o energie care a fost amplificată de un milion de ori și a revenit la ei într-un val mare de ascultare de isterie recunoscătoare.

Un rezultat parțial al isteriei asurzitoare a fost faptul că trupa a devenit frustrat la concertele lor și a încetat să mai interpreteze live după un spectacol din San Francisco la 29 august 1966. Totuși, chiar și această frustrare a dat roade, pe măsură ce cei patru muzicieni au ajutat aproape incalculabil producătorul Martin, (1965, “Drive My Car”, “Wood Norwegian”, “Nu mă vezi pe mine”, “Nicăieri”, “Michelle” “Revolver” (1966, “Taxanul” lui Harrison, “Eleanor Rigby”, “Aici, acolo și pretutindeni”, “Submarinul galben”, “Ziua bună a soarelui” epochal “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band “(1967, piesa de titlu,” Cu puțin ajutor de la prietenii mei “,” Lucy in the Sky with Diamonds “,” Când sunt șaizeci și patru “,” O zi în viață “).

Desi forta centrifugala a inceput sa isi ia socoteala, inca au reusit sa produca trei capodopere ale albumului, dublu album “The Beatles” (1968, alias “The White Album”, cu “Back In USSR”, “Draga prudenta” Obiectivul lui Harrison “În timp ce chitara mea uită încet”, “Blackbird”, “Ziua nașterii”, “Helter Skelter”), “Let It Be” (înregistrat la începutul anului 1969, , cu piesa de titlu, “Doi dintre noi”, “Across the Universe”, “Am ajuns o senzație”, “Road Longing and Winding” și “Get Back”), precum și punctul culminant “Abbey Road” 1969, “Aici vine Soarele” lui Harrison și “Ceva”, “Grădina Octopus” a lui Ringo, “Vino împreună”, “Ciocanul de argint al lui Maxwell”, “I Want You”, “A venit prin fereastra de baie”.

Ei au făcut o promisiune incredibilă și, în loc să se abată de la promisiunea pe care au dat-o, au fost eliberați și eliberați timp de opt ani, până când implicațiile complete ale făgăduirii i-au lovit în cele din urmă: ei priveau în fața fălcilor unei bestie nenorocite, pentru că a zâmbit și a fluturat și le-a dat bani. În cele din urmă, Beatles a suferit o incapacitate colectivă de a pretinde că fiara nu era o fiară, iar în 1970 s-au despărțit și s-au întors la ființă umană.

Beatlemania redux

O piesa mica, dar semnificativa a magiei Beatles a revenit in 1986 cu lansarea filmului clasic John Hughes “Ferris Bueller’s Day Off”, in care personajul lui Matthew Broderick lip-sincronizeaza clasicul Beatles “Twist and Shout” (ironic, o melodie pe care nu au scris-o) din partea de sus a unui flotor într-o paradă din Chicago.

John Lennon cânta “Twist and Shout” ca și când cuvintele ar fi o otravă corosivă bucuroasă, că singura lui speranță de supraviețuire era să-i expulzeze cu toată vehemența pe care corpul său de ritm-ascuțit i le-ar fi putut strânge, la fel și Ferris în scenă. Răspunsurile lui Pavel și ale lui George corespundeau zelului lui Ioan la sfârșitul fiecărei stări cu “Ooohs” lor delirante. Ei se bucurau atât de mult încât acest cântec părea cel mai important lucru din viața lor în acel moment. Beatles știa responsabilitățile minunate ale plăcerii.

Ferrisul se înfurii încet, frauleinii de pe flotă se scutură și se scutură și izbesc de pe Ferris ca electronii, mii din mulțime cântă de-a lungul gropilor pelviilor. Chicago se blochează ca unul, recreând viața reală a vieții reale a lui Beatles a unei nebuni masive unificatoare care a schimbat viețile oamenilor pentru o vreme.

Când am văzut filmul în teatru în ’86, oamenii s-au ridicat de fapt și au dansat în coridoare. Cum ar putea ei nu? Segmentul “Twist and Shout” a fost momentul muzical cel mai interesant și plin de bucurie dintr-un film de la Beatles, “The Hard Day’s Night” (1964) și a fost punctul culminant perfect pentru filmul lui Ferris Bueller.

Publicul a fost atât de bătrân pentru Beatlemania încât “Twist and Shout” sa reîntors la grafice timp de 15 săptămâni în acel an, o amintire scurtă dar dulce a adevăratului lucru.

2. Rolling Stones

Când Beatles a încetat să mai existe în 1970, titlul de “Cel mai mare rock din lume” a căzut cu o mică dispută la Rolling Stones, care până atunci se aflau în mijlocul unui vârf creativ minunat pe care l-ar fi putut contesta Fab Patru pentru titlu oricum. Este un titlu pe care anti-Beatles, de data aceasta, nu a renuntat de atunci. Stones nu a fost cea mai mare formatie rock din lume de mai bine de 30 de ani, dar au fost o unitate rock ‘n’ roll care functioneaza pentru mai mult de 40 de ani, cea mai lunga istorie din istorie.

Prietenii de prietenie Mick Jagger și Keith Richards, împreună cu chitaristul Brian Jones și pianistul Ian Stewart, au format prima versiune a Rollin ‘Stones în 1962 și cu secțiunea de ritmuri de crack a lui Charlie Watts pe tobe și Bill Wyman pe bas în curând la bord, l-au rupt într-o rezidență de opt luni la Clubul Crawdaddy din Londra la puțin timp după aceea. Un tânăr și ambițios Andrew Loog Oldham le-a văzut acolo: 

“Le-am văzut pe 23 aprilie 1963 și apoi am știut la ce mă antrenasem”, a spus el într-un interviu telefonic din casa lui din Columbia. “Principalul lucru pe care l-au avut a fost pasiunea, care le-a servit până astăzi”, continuă Oldham. Primul act al lui Oldham în calitate de manager a fost acela de a detrona pe Stewart de la actul live al trupei, pentru că nu păstra imaginea sa de Pietoni slabi, slabi și sexy (Stewart a fost managerul de drum al trupei și a fost înregistrat cu ei până la moartea sa în 1985).

La acea vreme, piesa Rollin ‘Stones (numită pentru melodia Muddy Waters, Oldham a adăugat “g”) era o bandă R & B, dar rularea lor la Crawdaddy a generat o atenție deosebită, iar Beatles, în drumul lor, a vrut să rateze următorul mare lucru. Oldham le-a primit repede la Decca Records, care încă mai știe să nu fi răsturnat Beatles.

În iunie ’63 primul single al lui Stones, o copertă de “Come On” a lui Chuck Berry a ajuns la locul 21 în Marea Britanie. Urmărirea în noiembrie a fost o acoperire a temutului “I Wanna Be Your Man” a lui Beatles, care a urcat în Regatul Unit al Marii Britanii. În februarie ’64, au ajuns la Top 10 din Marea Britanie cu Buddy Holly’s ” “Care, de asemenea, a spart Top 50 în SUA – băieții răi au fost în drum.

Oldham sa despărțit de trupa în mijlocul nebuniei și a hărțuirii mass-media a busturilor de droguri din 1967, dar el și trupa au generat o muzică extraordinară în cei doi ani dintre “Satisfacția”, care a fost lansată în mai 1965, și compilația “Flowers”, lansată în iulie ’67. Inclusiv a fost narcisismul incredibil de auto-conștient de “Get Off Of My Cloud”, gentilitatea muzicală a camerei și vulnerabilitatea filmului “As A Tears Go By”, a uimit modernitatea urbană a “19lea Cădere nervoasă”; și primul album clasic al lui Stones, “Aftermath”, cu cântecul de droguri “Mother’s Little Helper”, în același timp gros și misoginist “Under My Thumb” și “Out of Time”, minunat “Lady Jane” și exotic , roiling “Paint It Black”.

Apoi a apărut filmul Stones clasic din anii ’60 / începutul anilor ’70 între “Banchetul Beggar’s” și “Exile On Main Street”, probabil cel mai productiv joc din istoria rockului, când Stones a transformat o alchimie inegalabilă de rock ‘n’ roll , blues și țară în ceva întunecat, periculos și profund adânc.

Busturile din 1967 păreau că l-au împins pe Jagger și Richards la un alt nivel creativ, dar Brian Jones a apărut bătut și sa scufundat repede. A fost absent de la single-ul “Dansul Jack Flash” diabolic. Abia a lucrat la “Banchetul Beggar’s” (seducător, percutant și înțepător, “Sympathy For the Devil”, “Street Fighting Man”, “blestemat și păcătos”) din 1968, a ieșit din grup Iunie ’69, și mort în partea de jos a piscinei sale mai puțin de o lună mai târziu.

Tânărul Mick Taylor sa alăturat ca înlocuitor al lui Jones, iar filmele sale bluesnice au fost o foaie perfectă pentru ritmul lui Richards, iar sunetul și imaginile au devenit mai întunecate și mai dificile pe “Let it Bleed” (sexul și moartea apocalipsă) Gimme Adăpostul “blues-ul lui Robert Johnson” Love In Vain “,” omul de maimuță misterios “, camaraderia drogurilor din piesa de titlu,” Midnight Rambler “puternică și criminală și” coda oblică, înălțătoare ” Vrei”).

Dansul trupei cu diavolul a purtat fructe amare atunci când au pus un concert gratuit la Altamont Speedway, în afara San Francisco, la 6 decembrie 1969 (la doar trei luni după Woodstock), unde un fan a fost înjunghiat până la moarte în vederea scenei de către Angels Hell toate juju-ul rău de montare a fost capturat pentru posteritate în filmul “Gimme Shelter”).

“Get Yer Ya-Ya’s Out” (1970), unul dintre cele mai satisfăcătoare albume de rock live vreodată, concentrat pe ’68 -’69 hit-uri, inclusiv un extinse, definitiv “Midnight Rambler”, și a arătat cât integral Mick Taylor a devenit la sunetul viu al lui Stones.

Prima lansare a trupei pe propriile Rolling Stones Records a fost “Sticky Fingers” (1971), de droguri, de stralucire, cu infamul acoperiș cu fermoar de către Andy Warhol. Taylor a strălucit din nou, iar compoziția Jagger / Richards a continuat la cel mai înalt nivel: “Sugar brun”, “Căluțe sălbatice”, “Jazzy Grooving”, “Nu mă poți auzi”, “Bitch”, “Chilling”, sora Morphine “Și numărătoare” Flori moarte “.

Piesele au fost o trupa diferita de atunci: Mick Taylor a plecat in 1974, inlocuit de Ronnie Wood. Au lansat cateva mari albume: “Some Girls” (1978), raspunsul lor brutal la provocarile disco si punk (“Miss You”, “Some Girls”, “Respectable”, “Beast of Burden” ), și “Tattoo You” (1981, albumul lor de top-charting de-a lungul a 9 săptămâni la numărul 1), cu standouts “Start Me Up”, “Hang Fire” și “Waiting On a Friend” de albume pur și simplu bune: anii ’70 au fost mai buni decât anii ’80, care erau mai buni decât anii ’90.

Dar s-au vindecat, făcând pauze, dar concentrându-se din ce în ce mai mult pe scoaterea muzicii la fani, devenind în mod deosebit reinvigorat cu albumul “Steel Wheels” și turneul mondial în 1989. Am prins acel turneu în Los Angeles și Stones a venit cu un aer de asigurare dornică. Toate elementele au făcut clic: chitarele s-au tăiat și s-au tăiat, secțiunea de ritm sa blocat și a ieșit afară, cântecele au fost o combinație perfectă între vechi și noi, trupa a fost extrem de entuziastă.

Jagger nu a prezentat o picătură de atitudine Cool Star: a lucrat, a vorbit, a cântat cu energie și atenție la detalii. Evident, era fericit că i-ar fi plăcut din nou. Relatarea colectivă de bucurie a stadionului l-a lăsat pe Jagger la vulnerabilitatea copiilor:

“Ți-ar plăcea noile cântece?”, A pledat aproape de mulțime.

“Le iubim, Mick!”

“Te iubim!”

„Yeahh!“

Poate că lui Mick i s-a amintit de citatul său din anii ’70, uneori prefer să fiu pe scenă, câteodată prefer orgasmul. “În acea noapte, sunt destul de sigur că scena a câștigat.

În anii 1990, trupa a luat un uriaș $ 750 milioane de la trei turnee. Când i-am urmărit să trăiască de la Madison Square Garden la HBO la începutul anului trecut, ochii mei au confirmat faptul că acești tipi fraieri sunt de vreo 60 de ani, dar când camerele s-au retras, 30 de ani s-au topit și magia a fost reală și a crescut în intensitate noaptea purta.

Ce spectacol grozav! Pietrele sunt o trupă mai bună în direct decât au fost în anii ’70, când viețile, trupurile și mințile lor erau o mlaștină de sex, droguri și alcool. Vârsta le-a concentrat, dar a luat foarte puțin din energia lor maniacală, iar Keith Richards este încă cel mai mare chitarist ritm care a trăit vreodată.

Trăiască rock ‘n’ roll – trăiește Rolling Stones!

3. U2

Irlanda U2 este cea mai importantă și influentă bandă a epocii post-punk, care se alătură rock-ului de chitară, independența punk, spiritualitatea celtică, tehnicile inovatoare de producție și experimentele electronice – toate ținute împreună de viziunea transcendentă și carisma lui Bono.

U2 – Bono (Paul Hewson), chitaristul Edge (Dave Evans), basistul Adam Clayton și toboșarul Larry Mullen – format în Dublin în 1976 ca o bandă Beatles și Stones, în timp ce jucătorii erau încă în liceu. În 1980 au fost semnat la Island Records și au lansat primul lor spectaculos album, “Boy”, produs de Steve Lillywhite.

În pregătirea pentru “The Unforgettable Fire” din 1984, producătorul Brian Eno a avut o lungă conversație cu Bono, după cum a spus mai târziu revistei Q Magazine. “Am spus,” Uite, dacă lucrez cu tine, voi dori să schimb o mulțime de lucruri pe care le faci, pentru că nu sunt interesat de înregistrări ca un document al unei trupe rock care joacă pe scenă, sunt mai interesat de pictura poze. Vreau să creez un peisaj în care se face această muzică. “Și Bono a spus:” Exact, asta este și ceea ce vrem. “”

Rezultatele acestei schimbări directe a fost producția Eno a standardelor U2 “Focul de neuitat” (inclusiv “Bad”, “Pride în numele iubirii”); Grammy, albumul anului 1987, personalul dar universal “The Joshua Tree”, care a făcut trupele superstars (cu “Unde străzile nu au nume”, “încă n-am găsit ceea ce căutam” Sau fără tine “și” Un copac “); 1991 “Achtung Baby”, o mișcare strălucitoare și întunecată din punct de vedere emoțional spre electronică (“Chiar mai bine decât adevăratul lucru”, “Unul”, “Până la sfârșitul lumii”, “Cine va conduce caii sălbatici” și “Moduri misterioase” ); și “Zooropa”, mai adânc în muzica electronică și electronică (’93, cu piesa de titlu, “Numb”, “Lemon”, “Stay”). Wow, ce călătorie.

U2 a fost cea mai importantă bandă rock din anii ’80 deoarece membrii săi, ca și Bruce Springsteen, în Statele Unite, totuși credeau că rock’n’roll ar putea salva lumea și că au avut talentul să nu facă această idee să pară naivă fără speranță.

Această seriozitate și dorința de a îmbrățișa cele mai grele responsabilități au dus la creșterea înălțimilor de realizare și la escaladarea cerințelor psihice și artistice care au condus în cele din urmă trupa să adopte ironia ca mijloc de exprimare de bază pentru o perioadă în anii ’90.

Toate trupele vor să se răcească, iar în anii ’80 U2 a făcut aproape sinceră seriozitatea, dar a fost o muncă grea și neîncetată. După chitara și idealismul din anii ’80, anii ’90 au văzut răceala diafană a electronicii și a ironiei, care a fost rece și metaforic răcoroasă, dar în cele din urmă nu este despre ce este vorba formația.

“Tot ce nu poți lăsa în urmă” (’00) sa întors la ceea ce trupa este si este sonic si spiritual urmarind “The Tree of Joshua”, albumul cel mai idealist, spiritual si melodic consistent al trupei.

Rinichii formațiilor trupei în electronică au condus albumul (în special impresionistul “New York”), dar chitanța Edge sa reîntors în centrul scenei, unde aparține stilul său unic, deși nu ridică niciodată melodiile, fiecare dintre care este binecuvântată o melodie memorabilă.

În urma lansării extatice a piesei de deschidere “Beautiful Day”, al doilea cântec “Stuck In a Moment, pe care nu îl puteți scoate”, afirmă o noțiune aparent modestă, dar profund profundă, serioasă și idealistă:

“Încerc doar să găsesc o melodie decentă

Cântecul pe care îl pot cânta în compania mea “

Ei au găsit și apoi unii. U2 este acum o trupă matură, încrezătoare, încă uimitoare, care știe că nu are toate răspunsurile, dar nu se teme să păstreze întrebările potrivite.

4. Grateful Dead

Am venit pe drumul de azi / Am vazut un autocolant Deadhead pe un Cadillac / O voce mica in capul meu / Said “nu te uita inapoi, nu te poti uita niciodata inapoi” Don Henley, “băieți de vară”

Când Henley scria “Băieții de vară” în 1984, a văzut autocolantul pe oțelul de lux din Detroit ca o contradicție a valorilor: o coliziune simbolică a materiei / antimateriei care a stricat sensul ambelor. Dar Henley nu și-a dat seama că simbolul trecutului mort era în realitate un simbol foarte puternic al prezentului și al viitorului.

Războiul din Vietnam a fost polarizatorul perfect între cultura tinerilor și a culturii adulte: nu avea un obiectiv clar, era departe, costa multe vieți și era involuntar – vechiul a luat deciziile, tinerii au murit. După ce războiul a fost ucis cu milă la mijlocul anilor ’70, națiunea a ajuns să-și dea seama că urăște confuzia internă mai mult decât urăsc inamicul extern – sângele este mai gros decât ideologia.

Morții au devenit simbolul acestei amestecări de ideologii până la moartea lui Jerry Garcia în 1995: o mașină de fabricat bani cu ulei (50 de milioane de dolari pe an, în venituri de concert) care vânduse pace, iubire și înțelegere unei legiuni de admiratori divizați intern. Dead Dead a vândut fiecare spectacol pentru că un spectacol Dead era un loc acceptabil din punct de vedere social pentru a lua o pauză temporară de la cursa de șobolani și a încerca să atingă valorile hippie din anii ’60, fără a trebui să le trăiască. Oamenii care nu au făcut niciodată alte droguri s-au îngrămădit și au dansat în jurul valorii de pixii către cei morți și călătoriile lor muzicale ușoare, ritmice, plăcute, uneori inspirate, extinse.

Pe acest front muzical, “The Very Best of the Grateful Dead” de la Rhino este o excelenta reprezentare a amestecului eclectic al trupelor, trupelor rock, folk, psychedelic, R & B, jazz si afro-caraibe pe clasicul “Prieten al diavolului” Sugar Magnolia “,” Ripple “,” Truckin “,” Bandul unchiului John “,” Casey Jones “,” Turnul lui Franklin “, și singurul lor hit” Touch of Gray “.

“Grateful Dead” (1971) este setul meu preferat live de trupa – se rotește împreună cu “Bertha”, “Mama Tried”, “Playing in the Band”, “Johnny B. Goode”, “Fade Away” Goin ‘Down Road Feeling Bad “, care arată o mare energie și versatilitate.

Succesul lui Dead a inspirat întreaga mișcare a grupului de jam, care își desfășoară în același timp tradiția muzicală și cea culturală.

5. Velvet Underground

Brian Eno a spus că nu foarte mulți au cumpărat albumele lui Velvet când au fost lansate inițial, dar toți cei care au format o trupă. După ce a cucerit cu curaj dușmanii gemeni ai indiferenței și ostilității deschise în timpul vieții sale, Velvet Underground a fost treptat îmbrățișată ca una dintre cele mai bune și mai importante trupe din istoria rocilor.

Metropola Velvet sa format în 1964, când cântărețul / chitaristul / compozitorul Lou Reed și multi-instrumentalistul galeză John Cale s-au întâlnit și au decis să formeze o trupă de rock (eventual cu Sterling Morrison pe bas și chitară și Maureen “Mo” Tucker pe percuție) interesul reciproc în R & B, jazz-ul liber al lui Albert Ayler și Ornette Coleman și minimalismul avangardist al lui John Cage și al lui La Monte Young.

Trupa a căutat nu doar să se distreze, ci și să încerce să demonstreze că rock’n’roll-ul ar putea fi periculos din nou. Ei au gravitat spre Andy Warhol – care a adus actrița / modelul / chanteuse Nico în noroc – și s-au înscris în organizația multimedia a lui Warhol, în Fabrica, și în satul de artă Bohemian.

Live, Velvets au fost un amalgam bizar de R & B viguros, cântece destul de pop, extins gemuri experimentale de zgomot și arta de performanță a lui Warhol’s Exploding Plastic Inevitable. Trupa originală a durat doar două albume, “The Velvet Underground și Nico”, și “White Light, White Heat” (ambele 1967), primul dintre ele fiind unul dintre cele mai mari albume rock.

“Așteptându-l pe om”, cu o groapă de rock roșie, urmează un caracter Reed în căutarea drogurilor. Reed este aproape giddy, cu disprețul de sine, deoarece nevoia de droguri își trage statutul social sub cel al locuitorilor ghetoului, iar acel sfidător auto-dispreț definește statutul de Velvet ca prima bandă postmodernă și progenitorul întregului val de punk / new circulaţie.

“Heroin” ia aventura externa de a obtine droguri in tara interna si capteaza seductia dependentei cu o putere, frumusete si gratie care o face cu atat mai inspaimantatoare. “Venus in Furs”, o examinare neclintita a unei relatii S & M, transmite o densitate aproape gaura neagra. “Toate petreceri de mâine” este cel mai frumos moment al lui Nico, un monument figurin fonetic pentru o strălucire efemeră, cu pulsul groazei și chitara frenetică destabilizantă a lui Reed.

De asemenea, pe record se află și alte două frumoase bijuterii Reed / Nico, “O să fiu oglinda” și “Femme Fatale” și cel mai frumos cântec al carierei lui Reed, “Sunday Morning” preternatural, care surprinde speranța și regretul unei duminici de zori cu venerație și delicatețe.

Celelalte trei albume ale grupului au produs mai multe pietre în “White Light, White Heat”, “What Goes On”, “Beginning to See the Light”, “Eyes Blue Pale”, “Sweet Jane” și “Rock and Roll” toate acestea și mai multe pot fi găsite în setul foarte recomandat de box “Peel Slowly and See”.

6. Led Zeppelin

De-a lungul unei cariere de 10 ani, în nouă albume din 1969-1979, Led Zeppelin a fost cel mai popular grup rock din lume, vânzând în cele din urmă peste 50 de milioane de înregistrări în SUA (peste 200 de milioane în întreaga lume), dezvoltând blues- bazat pe arhetipul cântărețului trio și plin de putere, în multe direcții, printre care și folcloricul englez englez, exotica influențată de Orientul Mijlociu, popul ciudat și orice formă de greutate. De asemenea, au ajuns să simbolizeze excesele dionisice ale stilului de viață al rockului.

Ubicuitatea lor pe formatele clasice de radio rock și excesele menționate mai sus au făcut pe mulți să respingă trupa ca fiind supraestimată și simptomatică a declinului rock’n’roll în anii ’70. Colecția de super-valori “Zilele timpurii și zilele din urmă: Cel mai bun din Vols. 1 și 2 “(două discuri) demonstrează că, dacă e ceva, trupele muzical măreția este încă subapreciată, datorită resentimentelor menționate anterior și faptului că trupa nu a avut un impact cultural mai mare – nu prea aveau nimic.

Ambele au fost greșite: “Led Zeppelin 1” (“Good Times Bad Times”, “Babe, te voi părăsi”, “Dazed and Confused”, “Breakdown în comunicare”), “Led Zeppelin 2” Love “,” Cântarea Lemon “,” Hearbreaker “,” Living Loving Maid “,” Ramble On “) și” Led Zeppelin 4 “(aka” Zoso “, cu” Black Dog “,” Rock and Roll ” Levee Breaks “,” Stairway to Heaven “) sunt printre cele mai mari albume ale rockului.

Vocile plantei au atins niveluri de ecstasy deranjante, potrivite probabil doar de Little Richard, pe versuri, de obicei, fie oozing cu sexualitate, fie derivate din mit anglo-saxon și / sau ocult. Bonham (a cărui moarte accidentală în 1980 a rupt trupa) și-a bătut tamburul în mod necontenit ca un elefant agil care dansa prin casă. Jass’s bas și keyboards strategice au lipit elementele disparate împreună. Și Page, care a făcut cea mai mare parte a scrisului și a producției, a jucat unele dintre cele mai fundamentale și memorabile chitări în istoria rock-ului – de la cea mai grea criză la cea mai delicată alegere a degetului acustic.

Demonstrarea popularității durabile a trupei, setul live de două DVD-uri al formației “Led Zeppelin”, lansat în luna mai, a vândut peste 600.000 de exemplare.

7. Ramones

Ramona – Dee Dee (bas, vocal), Joey (vocal), Johnny (chitara), Tommy (tobe, inlocuit mai tarziu de Marky) – au fost Trupa americană de punk, un izvor nesfârșit de zgomot, energie, atitudine, umor și cântece grozave (uneori uitate), care au ajutat la reinventarea rock’n’roll-ului când avea nevoie cel mai mult la mijlocul anilor ’70.

Lucrând pentru indie Sire Records la mijlocul anilor ’70, scandalul producătorului / talentului Craig Leon sa implicat în scena muzicală subterană din New York. Într-o noapte de vară, în 1975, sa dus la CBGB și a văzut două trupe, Talking Heads și Ramones.

“M-am dus la acel spectacol și în public au fost în mod literal patru oameni în afară de mine, dar trupele erau fenomenale”, a spus Leon. “O mulțime de oameni nu au crezut nici măcar că Ramones ar putea face o înregistrare. Au fost săptămâni de pre-producție la un nivel foarte de bază: de parcă cântecele au început și când s-au încheiat. Seturile lor timpurii au fost un cântec lung până când au fugit din abur sau s-au luptat. Ați putea să-l vedeți ca un spectacol de tip arta, unde ați avut o capsulă concisă de 17 minute despre tot ceea ce ați știut despre rock ‘n’ roll sau ați putea vedea-o ca pe 22 de melodii “, a spus el. Au plecat pentru cântece.

Primul album al lui Ramones (1976) este o icoană minimalistă roaring – primul adevărat record de punk american. Straturile și straturile acumulate de balon și de strălucire au fost îndepărtate pentru a descoperi rock ‘n’ roll la cele mai elementare și vitale pe melodii precum “Blitzkreig Bop”, “Beat On the Brat” și “Let’s Dance.” Sunetul Ramones a fost aprins muzica de surf din anii ’60 a jucat prin distorsiunea overdriven a Blue Cheer și Black Sabbath. Totuși, în opinia lui Leon, Ramones s-au văzut ca o bandă pop. “În naivitatea noastră, am crezut că vor fi mai mari decât Beatles-urile. Ei se numea chiar după numele lui Paul McCartney, “Paul Ramone”, a spus Leon.

În timp ce majoritatea sunt de acord cu primul album uimitor al lui Ramones – care a trecut prin competiție ca un concurs de 747 de avioane de hârtie – este cel mai important album al lor, nu este preferatul meu. Favoritul meu este unul dintre cele mai excentrice, “End of the Century”, realizat de pictograma enigmatică pop (și acum suspectul de crimă), Phil Spector, și albumul care a recunoscut pentru prima oară un astfel de “pop punk”.

Înregistrată în 1979, albumul a făcut explicită legătura dintre pop-rock-ul din anii ’60 și psihicul trupei punk, și este considerat atât un Ramones, cât și un clasic Spector – idiosyncrasiile lui Spector nu copleșesc niciodată vuietul “Rock-ului chinezesc” “N ‘Roll High School”, iar Spectorul “Nu-ți aduci aminte de Rock’ N ‘Roll Radio” se rotește cu doar atingerile retro dreapta. Remake-ul trupei pentru “Baby I Love You” de la Ronette este la fel de emoționant ca și distracția și a aruncat o lumină cu totul nouă asupra cantaretului Joey Ramone (care a murit în 2002 după o perioadă lungă de timp cu cancer -.

Setul cu două CD-uri “Hei! Ho! Let’s Go “este o prezentare spectaculoasă a trupei, cu toate piesele de mai sus (cu excepția” Baby I Love You “) plus” California Sun “,” Sheena este un Punk Rocker “,” Cretin Hop “,” Rockaway Beach ” “Lobotomie pentru adolescenți”, “Vreau să fiu sedat”, “Ea este singura”, “Ea este o senzație”, “Vrem Airwaves” și multe, multe altele.

8. Pink Floyd

Pink Floyd este cea mai excentrică și experimentală bandă multi-platină a erei rock album, creând sculpturi de sunet cinematografice excepționale, “Meddle”, “Dark Side of the Moon”, “Wish You Were Here”, și apexul popular și moartea conceptuală “Zidul”.

Începând cu mijlocul anilor ’60, ca bandă rock hard rock bazată pe R & B, trupa (numită după bărbații blues Piedmont Anderson și Floyd Council) – Syd Barrett pe chitară și vocal, Roger Waters pe bas și voce, Richard Wright pe tastaturi, și Nick Mason pe tobe – au mutat rapid într-o combinație ciudată de tweet britanic psihedelia (“A se vedea Emily Play”, “Arnold Layne”) și rock-ul spațial instrumental de lungă durată (“Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive”), inspirat de Barrett’s utilizarea LSD liberală: o grădină Cambridge engleză transportată pe Marte.

Chitaristul David Gilmour sa alăturat grupului ca o asigurare împotriva volatilității lui Barrett în ’68, dar când Barrett a fost forțat să-și dea seama lipsa de încredere, “trupa sa de rezervă” a devenit o organizație democratică care împărțește responsabilități de scriere, cântări și conducere. Pe măsură ce Floyd se îndrepta mai adânc în explorări experimentale simfonice, în chillul sonic al spațiului – la fel de îndepărtat de originile rock ‘n’ roll-ului, în ce mai mulți hormoni adolescenți americani -.

“Meddle”, lansat în 1971, a fost albumul de tranziție al trupei din anii ’60, influențat de Barrett, până la Waters-Gilmour Floyd din anii ’70, subliniat de un stâlp al spațiului rock “Echoes”, peste 23 de minute de meandru creator încredințat, ingratirea vocii armoniale de la Waters și Gilmour, arsura de organe de la Wright, ascuțirea atmosferică de la incomparabilul Gilmour, ping-urile din alte părți ale lumii și zgomotele de balene în derivă. Puteți auzi semințele fertile din “Partea Întunecată a Lunii” aici.

“Dark Side”, lansat în ’73, a rămas pe albumul albumului pentru o perioadă de 741 săptămâni scandaloase, o capodoperă a ambarcațiunii de creație și o explorare remarcabil de unică a timpului, lăcomiei și existenței – albumul este un ritual indispensabil de trecere încă. “Wish You Were Here” este un aspect excepțional, ruminativ, ambiant, de lungă durată la dezintegrarea lui Barrett amestecat cu punctul de vedere al lui Roger Waters asupra lumii și, în special, a industriei muzicale.

Această viziune tulbure a vieții a găsit expresia sa finală în “Zidul”, care și-a folosit titlul pentru a reprezenta izolarea literală și metaforică. În elaborarea unor prezentări teatrale ale lucrării, în timpul spectacolului a fost construit un zid fizic, prăbușirea căreia, la sfârșitul fiecărui spectacol, a prezis cu precizie soarta grupului. Waters a mers solo la începutul anilor ’80, iar grupul sa reunit periodic fără el, dar nici grupul, nici el nu a mai fost niciodată la fel.

9. Bob Marley și Wailers

Cel mai mare cantaret, compozitor și figură culturală din istoria jamaicană, Bob Marley a adus lumii mesajul corect și “vibrațiile pozitive” ale muzicii reggae și este singura figură în vârstă a erei rock nu din America sau din U.K.

Marley sa născut în parohia rurală din St. Ann în 1945, la un tată alb de vârstă mijlocie și o mamă neagră în vârstă de adolescenți, și a plecat de acasă pentru cartea greoaie din Kingston, la 14 ani, pentru a-și continua viața în muzică. Acolo a devenit prieten și a format un trio vocal, cu Peter Tosh și Bunny Wailer. Ei se numea Wailing Wailers, mai târziu s-au scurtat la Wailers. Ei au lucrat în cadrul stilurilor muzicale predominante ale timpului, mai întâi la viteza ridicată a ska-ului, apoi la rock-ul mai sinuos mai încet, care apoi a dat calea reggae.

The Wailers a inregistrat cu producatorii legendari Coxone Dodd si Lee “Scratch” Perry in anii ’60, inregistrand cantece mari precum “Simmer Down”, versiunea originala “One Love”, “Soul Rebel”, “Axe mici” si Duppy Conqueror , “Devenind foarte popular în Jamaica. Dar atunci când Wailers au semnat cu Insula Records a lui Chris Blackwell în 1972, ajungerea lor la nivel global.

Cele doua albume ale lui Wailers pentru Island, “Catch a Fire” si “Burnin” “(ambele ’73), au devenit clasice instant si au introdus” Stir it Up “,” I Shot the Sheriff “, si” lumii. Tosh și Wailer au plecat apoi pentru a-și continua cariera solo, iar Wailers a devenit vehiculul de expresie al lui Marley. Până la moartea sa tragică la cancer la vârsta de 36 de ani în 1981, Marley a generat un imn după imn și a adus speranță și mândrie în lumea a treia, în plus față de atingerea inimilor și a picioarelor în mișcare din America de Nord și Europa.

Colecția sa de hituri care acoperă anii insulei, “Legend”, cu vânzări de peste 10 milioane de exemplare în S.U.A., este cel mai popular și mai consistent album reggae al tuturor timpurilor. Printre deliciile lui se numără “Nici o femeie fără plâns”, “Trei păsări mici”, “O singură dragoste”, “Soldier de bivoli”, “Așteptare în deșert” și “Blocare”.

10. Pizma si piatra de familie

Sly și Piatra de Familie au realizat o parte din muzica cea mai plutitoare și gînditoare din anii ’60 și începutul anilor ’70, unite și transformând muzica alb-negru într-un moment de cea mai mare speranță și trădare profundă în America. Liderul Sly Stone a personificat ambele extreme, ca adevăratul credincios și o victimă a deziluziei sale.

A fost al doilea album al trupei, “Dance To The Music” (’68), că au luat foc. Cântecul titular a fost o reprezentare perfectă a sunetului live al Familiei, un amalgam vibrant de pozitivitate, bas de basm, doo-wop, chitară rock și coarne, adunat în contextul unei revizuiri tradiționale a R & B.

Vara lui ’69 a descoperit Sly și Piatra de Familie ridicându-se la înălțimea de popularitate și apreciere critică pe aripile albumului lor fenomenal “Stand!”, Care a inclus primul hit al trupei, “Everyday People”, o melodie care a definit ideile sociale ale trupei în modul în care “Dance” și-a definit gândurile muzicale. Farmecul renei rima pepinieră se scurge prin secoleze de prejudecăți culturale și ne amintește de simplul adevăr că “trebuie să trăim împreună” sau să murim separat. De asemenea, pe album a fost orgasmul “Vreau să te iau mai mare”.

In aceeasi vara, Sly si Family Stone au luat cu asalt stadiul de la Woodstock in curcubeu-ul de curcubeu, care a sclipit de paiete si electricitate si au aparut superstaruri. Dacă participanții nu erau destul de înalți, când Sly a strigat “Vreau să te iau mai mult” la sfârșitul setului trupei, mulți simt că festivalul – și o epocă – a atins vârful lor furios.

Din păcate, Sly și-a luat obsesia cu “înălțimea” literalmente și a venit să încurce ușa ușoară a drogurilor cu cele mai dificile valori ale muzicii, iubirii și bucuriei existenței. Cu drogurile a crescut paranoia și auto-absorbție, care au fost exprimate primul și cel mai bun în 1971 “Există un Riot Goin ‘On,” în cazul în care lassitude înlocuiește spunk dar talentul incredibil Sly încă strălucit prin murk. Drummer Errico a plecat în timpul producției, iar Sly a distrus familia, jucând majoritatea instrumentelor de pe albumul însuși, izolate într-un cocon de cocaină. În mod ironic, “Riot” a fost doar albumul “cel al trupei”. Visul și realitatea s-au despărțit, dar muzica rămâne.

Cum? De ce?

În timp ce vorbesc cu glasul tunete al adevărului, această listă de “cele mai bune 10 trupe de rock vreodată“Nu este o desemnare pur arbitrară trasă din regiunile mele inferioare. În primul rând, câștigătorii trebuiau să fie o trupă reală, care a eliminat majoritatea celor mai mari melodii ale rock-ului din anii ’50, cum ar fi Elvis și Chuck Berry, care erau în mod esențial solo artiști cu trupe de rezervă, alte figuri înfloritoare precum Bob Dylan, și grupuri vocale. Trupele trebuiau să se afle în cercul mai mare de muzică “rock” și să genereze majoritatea sau toate materialele proprii. Am luat în considerare influența muzicală și culturală, popularitatea în timp (puterea rămasă) și factorul “Este o viață minunată”: Ce prejudiciu s-ar face dacă trupa urma să fie scoasă din istoria rocilor? – cu cât este mai mare deteriorarea, cu atât este mai mare banda. Îndepărtarea oricăreia dintre cele 10 de mai sus ar face istoria rockului nerecunoscută.

Eric Olsen este editorul Blogcritics.org și un contribuitor regulat la MSNBC.com.